Depois que eu vi

Títulos Baianos

2010-01-24T13:28:00.000-08:00

É vergonhoso que eu retorne pro blog por causa de uma piada que vi na internet. Mas, baiano afeito a estereótipos que sou, não pude deixar de dar um certo valor... Confira como ficariam alguns títulos de filme, se o tradutor fosse baiano:

Uma Linda Mulher – Piriguete Bunita Cuma Zorra.

Quem Vai Ficar Com Mary? – Quem Vai Lascá Maria Em Banda?

Riquinho – Barãozinho

Velocidade Máxima – O Buzú virado na disgraça

Os Bons Companheiros – Os Corrente

O Paizão – O Grande Painho

A Morte Pede Carona – A Misera Quer Pongar

Ghost – O Encosto

O Poderoso Chefão 1 – ACM

O Poderoso Chefão 2 – ACM Júnior

O Poderoso Chefão 3 – ACM Neto

O Exorcista – O Lá Ele

Táxi Driver – O Taquiceiro

Corra Que A Policia Vem Aí – Se Pique Que Os Meganha Tão Desceno

O Senhor dos Anéis – O Coroa Dos Balangandans

Janela Indiscreta – Vizinho Na Cocó

Velozes e Furiosos – Ariscos e Virados No Istopô

Esqueceram de Mim – Me Crocodilaram

Forrest Gump – O Culhudeiro

Clube da Luta – Os Cumedor de Pilha

O Cavaleiro das Trevas – O Jagunço do Breu

Silêncio dos Inocentes – O Morta-Fome

Cidade de Deus – Bairro da Paz

Mamma Mia! – O Paí Ó

Sociedade dos Poetas Mortos – É O Tchan Cumeno no Centro

Bastardos Inglórios

2009-10-24T06:32:00.000-07:00

Bastardos Inglórios é o mais intenso Tarantino já feito. O filme costura os velhos cacoetes do diretor de forma visceral, como os diálogos longos e bem afiados, as sequências violentas, a narrativa em capítulos, as referências ao cinema. É ame-o ou deixe-o. Aqui, a autoralidade do cineasta que fez escola depois de Cães de Aluguel e Pulp Fiction é uma constante, mas nunca um fardo. Bastardos Inglórios não é um exercício de estilo, é sua consolidação.

Tarantino, em boa medida, é texto. É impressionante o domínio que ele atingiu sobre essa ferramenta, a ponto de fazer um investimento desmedido no trabalho de atores. O maior beneficiado é Christopher Waltz, interpretando o papel de sua vida em nada menos do que quatro cenas de tirar o fôlego. Através do caçador de judeus Hans Lada, Waltz chega a ter mais destaque do que os personagens-título, até por que está envolvido em todas as tramas paralelas do longa-metragem. O que não significa que não haja bons momentos para um impagável Brad Pitt, na pele do Tenente Aldo Raine, ou de Til Schweiger, como o sinistro Sargento Hugo Stiglitz.

Embora Jackie Brown tenha seus méritos, nada que Tarantino fez depois de Pulp Fiction me agradou tanto. Diferente do filme que pôs Travolta de volta ao jogo, este longa é mais cinemão e foge da auto-referência apontada por Selton Mello. Bastardos Inglórios, em si, é um universo único, que subverte a história e não economiza em caricaturas, seja dos personagens, seja do próprio diretor.

Nota: 9,0 (de dez)

Arraste-me Para o Inferno

2009-08-16T15:49:00.000-07:00

É bem verdade que Arraste-Me Para o Inferno está anos-luz à frente das asneiras do cinema de horror que vem ganhando os telões. Mas considerando o potencial do cineasta que sacudiu o gênero na primeira metade dos anos 80 e que conseguiu merecido respeito da crítica após Homem-Aranha 2, este novo filme de Sam Raimi fica devendo .

A trama tem foco em uma protagonista interessante, uma jovem bancária boazinha, pero no mucho. Ela deseja ganhar uma promoção, o que a leva a recusar um empréstimo para uma humilde senhora cigana que acaba se mostrando uma mistura de Baba Yaga com Chuck Norris. Para piorar, a velhinha entende de maldições, e faz com que a mocinha seja perseguida por demônios bem parecidos com aqueles da clássica trilogia Evil Dead, do mesmo diretor.

As semelhanças entre Arraste-me Para o Inferno e os três filmes estrelados por Bruce Campbell incluem ainda os enquadramentos alucinantes, o humor escatológico e até alguns elementos da trilha sonora. Até aí, seria o suficiente para garantir uma agradável sessão de cinema. Mas o cineasta Sam Raimi esqueceu (ou não se importou) com o fato de que, às vezes, é importante não entregar a compreensão total das cenas, de mão beijada, ao espectador. Ele investe, desde o começo do longa-metragem, em pequenas tomadas desnecessárias, que levam o espectador mais atento a antecipar diversos momentos da projeção - um problema particularmente indesejável em um filme de horror.

É um trabalho funcional, vale reconhecer. O diretor não perdeu o jeito e dosa bem os momentos de humor, além de ter bom domínio dos clichês do gênero, como os sustos favorecidos por rápidas intervenções da trilha sonora. Não são recursos dos mais originais, mas dão certo. Talvez essa nota aí embaixo seja mais um pequeno protesto de quem sabe que Sam Raimi tem muito mais a oferecer.

Nota: 6,0 (de dez)

O Exterminador do Futuro: A Salvação

2009-06-12T06:02:00.000-07:00

McG é um diretor competente. E se você acha que esta opinião é motivo suficiente pra me enforcar em praça pública, vai ficar ainda mais colérico ao saber que acho que mesmo em As Panteras 2: Detonando, ele fez um bom trabalho, do ponto de vista dos enquadramentos, do tempo que é dado a cada cena, a cada gesto, do modo como ele dirige nossa atenção e orquestra outros elementos do fazer cinema, como a fotografia, a trilha, a edição de imagens e de som. Em Exterminador do Futuro: A Salvação, McG até se deu ao luxo de ousar em algumas tomadas, como um plano-sequência com Christian Bale que me fez lembrar de certos momentos de Filhos da Esperança. O que há de lamentável neste filme, e que o estraga para além do suportável, é o roteiro.

Não tive coragem de assistir o terceiro filme da série, mas os dois primeiros longas, de James Cameron, apresentavam uma mitologia rica. Alguns elementos que remontam aos primeiros filmes foram relembrados, como a cicatriz no rosto de Connor e a canção You Could Be Mine, dos Guns N' Roses, tema do filme de 93. Mas as características dramáticas se dispersaram em uma narrativa morna. John Connor, aqui interpretado por Christian Bale, era alguém que conhecíamos desde 1984: o homem que carregaria o fardo de liderar a humanidade contra máquinas assassinas auto-conscientes, e que desde criança teria de se preparar para isso. Imagine o dilema de mandar ao passado o próprio pai, Kyle Reese, que morrerá para proteger a mãe de Connor de um ciborgue enviado para acabar com o líder da resistência antes mesmo que ele nasça. Neste quarto filme, o papel se inverte, e é Connor quem precisa salvar o pai, um adolescente interpretado por Anton Yelchin. Esses laços de paternidade, quase que mútuos, entre dois caras que ainda não se conhecem, é tratado com desleixo pelos roteiristas. Connor é apenas um cara mau-humorado que em nenhum momento cativa o espectador, que acaba se afeiçoando muito mais ao carismático personagem de Sam Worthington, Marcus, um homem que se torna aliado do herói, mas esconde um segredo que ele próprio desconhece.

O problema é que, paralelamente à ação initerrupta, há gritantes furos de roteiro que nos levam a pensar até que ponto as máquinas são mesmo ameaçadoras. A começar pela clássica e insistente manobra dos ciborgues de arremessar os mocinhos de um lado para outro quando poderiam simplesmente atravessar o peito das vítimas com as próprias mãos. Ou então, o fato absolutamente ilógico de não matar Kyle Reese em vários momentos perfeitamente oportunos. E o que dizer do intragável e constrangedor ato final, quando as máquinas fazem a mais burra e recorrente mancada da vilania humana, de contar o plano maligno?

Concordo com a crítica de Isabela Boscov, da Veja. Este novo filme é melhor do que o terceiro Exterminador, mas não vai muito além disso.

Nota: 5,0 (de dez)

Watchmen - O Filme

2009-03-08T13:16:00.000-07:00

Sempre que uma história em quadrinhos é levada para a tela do cinema, alguém aponta uma nova “melhor adaptação de gibis de todos os tempos”. Durante a década de 80 e 90, Superman - O Filme, de Richard Donner, ostentou esse título, que foi desafiado por longas-metragens do Batman, Homem-Aranha, X-Men, e mais recentemente, Homem de Ferro. Mas a partir de Sin City, algo realmente mudou. Já não falávamos mais de uma adaptação, mas sim, uma verdadeira conversão cinematográfica da obra. Diálogos, enquadramentos, cenografia, e vários outros elementos da HQ foram fielmente reproduzidos pela sétima arte. Watchmen - O Filme segue exatamente essa linha.

É uma escolha que facilita a aceitação do público fã de gibis, e que ressalta a qualidade da trama original. Zack Snyder, diretor de 300, também inspirado em quadrinhos, certamente teve isso em mente ao cuidar de Watchmen, um filme que era esperado há 20 anos. O longa é recheado de boas escolhas, da trilha sonora à composição do elenco, formado por atores menos conhecidos que defendem bem os papéis de super-heróis aposentados que entram em crise quando um dos membros do grupo é assassinado. As investigações vão revelar um plano absolutamente assombroso.

O gênio criativo por trás da história é o inglês Alan Moore, um dos maiores, senão o maior escritor de quadrinhos da atualidade. Watchmen é seu trabalho mais importante, além de ser uma referência dos quadrinhos modernos. Ele já teve outras obras adaptadas para as telonas, incluindo Do Inferno, com Johnny Depp, e A Liga Extraordinária, com Sean Connery. A julgar pela qualidade desse último, não é de admirar que Moore seja radicalmente contrário às adaptações dos seus gibis. Quem sabe, depois de Watchmen, ele fica menos insatisfeito.

Nota: 8,00 (de dez)

Trovão Tropical

2008-09-28T08:56:00.000-07:00

Um belo ponto marcado por Ben Stiller. Ele não é lá um diretor primoroso, há inclusive um problema de ritmo em Trovão Tropical, que cai um pouco no meio do filme. Mas este é um trabalho divertidíssimo, tanto pelas ótimas atuações, incluindo participações especialíssimas, quanto pelo roteiro cheio de boas sacadas.
A trama apresenta o elenco de um filme de guerra que se envolve em um conflito de verdade, seguindo uma fórmula idêntica a de comédias bacanas como Os Três Amigos e Heróis Fora de Órbita. Mas em comparação com estes longa-metragens, Trovão Tropical aproveita melhor a metalinguagem para tirar sarro de Hollywood, graças aos arquétipos representados pelo trio de protagonistas que busca reconhecimento profissional. Stiller é um astro de filmes de ação; Jack Black vive um comediante viciado em drogas; e Robert Downey Jr. é o ator de renome que vive obcecado pelos personagens que representa. O elenco traz ainda Nick Nolte, Matthew McCounaghey e Tom Cruise, que defende um papel absolutamente impagável.
As referências também são um deleite para os cinéfilos, parodiando clássicos como Platoon, Apocalipse Now e O Resgate do Soldado Ryan. Nem os próprios atores escapam das gozações, como se pode constatar no trailer falso que nos apresenta ao personagem de Downey Jr, claramente inspirado em Garotos Incríveis.

Nota: 8,0 (de dez)

Ensaio Sobre a Cegueira

2008-09-14T15:16:00.000-07:00

Ensaio Sobre a Cegueira é bom, enquanto filme. Mas como adaptação do premiado livro de Saramago, é melhor ainda.
O diretor Fernando Meirelles comandou uma produção na qual todos os detalhes são mobilizados em favor da fidelidade à obra. O romance não especifica o local onde a trama se desenrola, uma imprecisão reforçada pela filme através das músicas de diversos países que compõem a trilha sonora, a diversidade de locações (incluindo as cidades de São Paulo e New York), e o anonimato de seus personagens. O elenco também é, digamos, multinacional: temos os estadunidenses Juliane Moore, Mark Ruffallo e Danny Glover contracenando com o mexicano Gael García Bernal, a brasileira Alice Braga e o japonês Yusuke Iseya, vivendo o primeiro homem a ser afetado pela inexplicável cegueira que se alastra rapidamente pela população.
Este caos e desorientação são traduzidos por câmeras que saem de foco, enquadram mal e por várias vezes saturam para a máxima luminosidade ou a completa escuridão. São truques que intensificam os momentos de tensão do filme, que traz a cegueira como uma metáfora para mostrar do que as pessoas são capazes quando vislumbram a expectativa da impunidade. Quando os doentes são presos em um centro de quarentena onde as leis já não se aplicam, Ensaio Sobre a Cegueira faz lembrar o clássico O Homem Invisível, adaptado em 2000 por Paul Verhoeven. Outra referência inevitável são os filmes de George Romero: algumas tomadas de tom mais apocalíptico parecem ter saído diretamente de Madrugada dos Mortos.
Estabelecendo um paralelo com a atuação de Al Pacino em Perfume de Mulher, todos aqui têm o desafio de interpretar cegos que não usam óculos escuros, o que é muito mais difícil. Por vezes os atores caem na armadilha de não "olhar" para a direção em que alguém está falando com eles, como faria uma pessoa que perdeu a visão recentemente. No fim das contas, Juliane Moore, que vive a única pessoa imune a doença, defende um papel de alta carga dramática e brilha nas poucas oportunidades em que precisa fingir estar contaminada. Enquanto assistia ao filme, me perguntei se seria cedo para imaginar um Oscar pra a atriz.

P.E: Diabos, lá vou eu falando em Oscar de novo...

Nota: 7,0 (de dez)

Ledger levará o Oscar?

2008-07-28T03:54:00.000-07:00

Heath Ledger vai receber um Oscar póstumo? É uma questão repercutida desde a estréia de Batman - O Cavaleiro das Trevas e tem sua razão de ser, dada a intensidade com a qual o falecido astro defendeu o papel. Pensando a respeito, desconfio, para minha própria tristeza, que ele não vai ganhar este prêmio. A Academia tem certos comportamentos consolidados ao longo da história.

Hollywood dá Oscar de Ator/Atriz preferencialmente para dramas, comédias e policiais, nessa ordem. Exemplos incluem Daniel Day-Lewis em Sangue Negro (2007) e Jack Nicholson em Melhor é Impossível (1997). Qualquer longa-metragem fora destes gêneros dificilmente ganha algo diferente de um prêmio técnico. Em 1987, Sigourney Weaver recebeu uma indicação ao Oscar por sua atuação em Aliens, O Resgate, um filme de ação e ficção científica. E não levou o prêmio. O mesmo aconteceu em 2003 com a primeira das três indicações de Johnny Depp, por seu desempenho espetacular como Jack Sparrow no primeiro longa da trilogia de aventura Piratas do Caribe.

Só um ator foi premiado postumamente. Foi Peter Finch, que ganhou o Oscar de Melhor Ator depois de morto por Rede de Intrigas, em 1976. A indicação póstuma é algo muito raro. O último caso foi Massimo Troisi, por O Carteiro e o Poeta, em 1995. Ele perdeu pra Nicolas Cage, por Despedida em Las Vegas.
Se indicado, o nome de Heath Ledger contaria, como Peter Finch, com um ponto favorável: uma indicação anterior. Finch, vencedor em 76, concorreu em 71 por Domingo Sangrento. Ledger era um nome forte quando disputou em 2003 por O Segredo de Brockback Mountain. Mas um ponto negativo é que o espaço de tempo entre a morte de Heath Ledger e a próxima cerimônia do Oscar é muito grande. Peter Finch faleceu apenas dois meses antes da cerimônia que o premiou. Ledger morreu em janeiro de 2008, e a próxima edição do Oscar será apenas no ano que vem. Muita água vai rolar até lá, muitos papéis vão ganhar destaque e muitos lobbystas vão fazer a cabeça dos jurados da Academia.

A Academia costuma dar "Prêmios Compensatórios" para astros recém-consagrados. Se Heath Ledger tem chances, é por causa deste costume de Hollywood.
A Academia parece ter pavor por "dar asa a cobra". Quem fez carreira no circuito pop raramente recebe um prêmio quando causa impacto em um papel dramático. Comediantes costumam ser os maiores alvos desta tendência. Robin Willians já foi indicado três vezes (por Bom Dia Vietnã!, O Pescador de Ilusões e Sociedade dos Poetas Mortos) e teve de se contentar com a premiação de coadjuvante por Gênio Indomável. Jim Carrey, então, nem se fala. Foi solenemente ignorado e sequer foi indicado por seu desempenho em O Show de Truman e Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças.
Quando o nome é testado e volta a brilhar depois de uma indicação fracassada, começa a aumentar as chances de receber um Oscar Compensatório. Quando Russel Crowe venceu por Gladiador, em 2000, derrubou Javier Barden por Antes do Anoitecer e Geoffrey Rush por Contos Proibidos do Marquês de Sade. E a impressão que ficou foi a de que não era pra tanto, e que aquilo foi uma compensação por ele não ter levado no ano anterior, por O Informante. Nicole Kidman é outro exemplo recente. Foi Melhor Atriz em 2002 por As Horas, interpretando Virgínia Wolf. Muita gente protestou no ano anterior, quando perdeu ao ser indicada por Moulin Rouge. A estatueta foi para Halle Berry, por A Última Ceia, no mesmo ano em que Denzel Wahington, já indicado em duas vezes anteriores, foi premiado por Dia de Treinamento.
Essa tendência certamente pesou contra Ledger, astro de bobagens como Coração de Cavaleiro, quando foi indicado pela primeira vez por O Segredo de Brockeback Mountain. Desde então, o jovem ator se envolveu com filmes desafiadores, como o recente Não Estou Lá, em que fez uma das personas de Bob Dylan. É um capital simbólico positivo, assim como a mobilização de fãs e de atores como Michael Caine e Gary Oldman, colegas de elenco de Ledger em Batman - O Cavaleiro das Trevas. Mesmo assim, não parece suficiente.

Heath Ledger terá mais chances se for considerado um ator coadjuvante para fins de indicação a Oscar. Pelo tempo que o Coringa aparece em cena, faria sentido. Se o ator for premiado na categoria coadjuvante, será um feito inédito. Mas vivo ou morto, na cetegoria que for, receber um Oscar não é apenas uma questão de mérito. Há muitas paixões e pressões envolvidas em um clima desportivo que normalmente é pouco saudável. O que importa é que Ledger provou seu valor como intérprete. Pra quê levar o Oscar... so serious?

Batman - O Cavaleiro das Trevas

2008-07-25T20:36:00.000-07:00

Batman Begins, o longa que deu início a essa reimaginação do herói segundo o diretor Chris Nolan e o roteirista David Goyer, é bom, mas tem seus problemas. O personagem James Gordon fazendo as vezes de alívio cômico. Uma certa incapacidade do filme em criar tensão para o final da trama. E o próprio final ser, digamos assim, excessivamente apoteótico. Pois Batman - O Cavaleiro das Trevas resolve todos estes problemas com louvor.

Algumas pessoas acusam o filme de ser muito longo. Mas a sensação que tive é do contrário. Parece haver muito pouco tempo para explorar tudo o que a trama costura. Repare, muitas cenas não levam mais de quinze segundos. Nada é gratuito nesta sequência, Nolan não tinha tempo a perder, mesmo contando com mais de duas horas e meia de projeção. É bem verdade que o espectador se sente meio enpanturrado de informações. Mas a digestão é favorecida por um roteiro que, a exemplo de Begins, é muito bem-amarrado, e de brinde, traz a atuação demolidora de Heath Ledger como o Coringa mais assustador e fascinante jamais visto no cinema.

O clímax dramático e minimalista é outra grande virtude. Difere de tudo o que você já viu em um filme de super-heróis. E não é pra menos. A trama demonstra um esforço dos realizadores por tornar tudo o que aparece na tela algo real, algo crível. Quando vemos um vilão apontar uma arma pra alguém, nós realmente tememos pelo personagem ameaçado, por que vimos várias tragédias ao longo da narrativa e nada garante que o Homem-Morcego pode mesmo salvar a pátria. Pena que este realismo é ignorado em um dado momento (Passe o cursor no resto deste parágrafo caso queira mesmo saber do que estou falando). Quando o genial plano do Coringa falha, ao final do filme, a sensação que fica é a de que os civis e criminosos ameaçados nos barcos são ainda mais inacreditáveis do que todo o aparato tecnológico do Batman. O roteiro simplesmente sabotou o Coringa de uma forma piegas, o que é imperdoável.

Mesmo com um ou outro tropeço, este é um longa-metragem que vai conquistar até mesmo os que não curtem histórias em quadrinhos. Batman - O Cavaleiro das Trevas bate no peito e grita alto: "eu sou um FILME! ME RESPEITE!" Há história, há personagens, há direção. Não é um projetinho caça-níqueis como Homem-Aranha 3.

Nota: 09 (de dez)

Millenium (1996-1998)

2008-06-24T11:52:00.001-07:00

Antes de C.S.I., antes de Criminal Minds, antes de Dexter, havia Frank Black, protagonista da finada série Millenium. Ele é um ex-agente do FBI que atua como consultor da polícia de Seattle. Logo no pertubador episódio-piloto, o espectador descobre que o homem tem um dom sobrenatural: uma vez na cena de um assassinato, ele pode sintonizar a mente do criminoso e entender suas motivações. O atormentado protagonista vê o dom como uma maldição, mas não hesita em empregá-lo. Seu trabalho é a forma que encontra para fazer do mundo um lugar mais seguro para sua esposa e a pequena filha do casal.

Milllenium estreou em 1996 pelas mãos de Chris Carter, o mesmo criador de Arquivo X. A proposta, a princípio, era diferente. A série lidaria com o horror nosso de cada dia, limitando o lado sobrenatural à habilidade quase mediúnica de Frank Black. Mas à medida que as três temporadas foram se desenrolando, muita coisa mudou. No final do primeiro ano, Chris Carter passou a se concentrar no longa-metragem de Arquivo X e deixou dois escritores e produtores desta última responsáveis por Millenium. Foi o que deu início à segunda, melhor e mais sobrenatural temporada da série, sendo também a mais criativa, com alguns episódios mais experimentais.

O seriado tinha vários trunfos. Roteiristas experientes, um diretor de fotografia com filmes de Hitchcock no currículo e Lance Henriksen, ator que encontrou o papel que lhe valeu três indicações seguidas ao Globo de Ouro. Quem assistir ao making off da primeira temporada vai perceber como a preparação do personagem foi meticulosa. O elenco de apoio tem ainda Terry O'Quinn, mais conhecido por seu papel como John Locke na série Lost.

Como muitas boas séries, Millenium terminou cedo. Resta aos apreciadores de bons suspenses correr atrás das temporadas em DVD e se arrepiar quando começar uma das aberturas mais assustadoras que a televisão já viu...

Nota: 8,0 (de dez)

Longe Dela

2008-06-19T06:58:00.001-07:00

O amor na terceira idade é um elemento não muito presente na filmografia estadunidense. Talvez não haja muito interesse no assunto, mesmo. Uma pena, já que não são poucos os desafios que vêm depois do "pode beijar a noiva". No caso de Longe Dela, o problema em si está presente em qualquer momento de qualquer relacionamento. A trama gira em torno do conflito entre amor e posse.

Fiona e Grant são casados há quase quarenta anos, e se amam profundamente. Mas ela começa a apresentar problemas de memória e é diagnosticada com Alzheimer. A evolução da doença leva-os a decidir pela internação em uma casa especializada. Como é praxe na instituição, ele não poderá ver Fiona nos primeiros trinta dias, para não comprometer o período de adaptação. O problema é que após esse tempo ela já não reconhece Grant e passou a se interessar por um ex-namorado que está internado no mesmo lugar.

Guardando os devidos méritos a Julie Christie pela interpretação indicada ao Oscar, é o ator Gordon Pinsent quem mais brilha em cena. Seu personagem precisa decidir o que fazer com o amor e devoção pela esposa cuja vida pode não mais ter um lugar para ele. Esse conflito e a angústia da resignificação são tratados com extrema delicadeza pelo roteiro de Sarah Polley, atriz que já era quase um selo de qualidade dos filmes em que atua e que começou a carreira de diretora com pé direito.

Nota: 8,0 (de dez)

Os Estados Unidos Contra John Lennon

2008-06-18T10:41:00.000-07:00

Nos primeiros vinte minutos pode parecer que os diretores estão forçando a barra. OK, John Lennon era de longe o beatle mais politizado, mas o ativismo dele contra a Guerra do Vietnã parece meio supervalorizada, como se não justificasse um documentário sobre o assunto. Mas aos poucos, Os Estados Unidos Contra John Lennon obriga o espectador a reconhecer que, como muitos, não conhece a história da perseguição sofrida pelo músico.

O contexto é muito atual, com o apoio à Guerra encarado como ato patriótico e um presidente que assume a personificação do discurso - no caso, Nixon. As ações de Lennon passam por composições da carreira solo, como Give Peace a Chance e Imagine, até happenings protagonizados com a esposa Yoko Ono, como os famosos bed-ins. A reação do governo começa com escutas telefônicas e chega a ameaças de deportação, tudo registrado e confirmado por documentos oficiais, relatos de autoridades do governo da época e de jornalistas consagrados.

Faz falta algum comentário dos outros beatles, que poderiam ajudar a compreender as primeiras transformações que Lennon fazia em sua postura artística, que já começaram com a composição de Revolution, um clássico do grupo. Mesmo assim, o conjunto de depoentes é bem interessante, incluindo nomes como o escritor Gore Vidal, o jornalista Carl Bernstein, o ativista Ron Kovic e Bobby Seale, co-fundador dos Panteras Negras. A criativa disposição de fotos e documentos ao longo do filme completam os fatores que tornam Os Estados Unidos Contra John Lennon um documentário interessante e até com um certo requinte.

Nota: 7,0 (de dez)

O Incrível Hulk

2008-06-18T08:09:00.000-07:00

Tudo novo. O longa-metragem começa com a nova origem do personagem, agora vivido por Edward Norton. É uma rápida apresentação. A idéia não é fazer um "filme de origem", mas deixar claro que não se trata de uma continuação do criticado Hulk, dirigido por Ang Lee em 2003. Os produtores resolveram "começar de novo". E se O Incrível Hulk não é um incrível filme, ao menos, funciona.

Na história, o atormentado Bruce Banner é mostrado em sua vida de isolamento, tentando achar uma cura para não mais se transformar no monstro verde. Mas um acidente faz com que os militares estadunidenses descubram seu paradeiro e partam ao Rio de Janeiro em seu encalço. Que diabos deu no homem pra vir pro Rio, não me pergunte. Mas as cenas de perseguição são boas.

Era o que os fãs queriam. Boas cenas de ação, e de quebra, referências à mitologia dos gibis e à série estrelada pelo personagem nos anos 70. Espremidos entre uma pancadaria e outra, há uns poucos momentos dramáticos e uma boa química entre o par Norton e Liv Tyler. O ponto fraco, como costuma acontecer nestas adaptações, é a meia hora final. Tudo termina em porrada, como não poderia deixar de ser, afinal, é o Hulk. Mas a última luta é tediosa e causa constrangimento ver os coadjuvantes sem terem muito o que fazer no meio daquilo. Nada que comprometa mais um bom longa-metragem com personagens da Marvel Comics, que a exemplo do ótimo Homem de Ferro, agora produz as próprias adaptações. Até aqui, tudo bem.

Nota: 7,0 (de dez)

A Culpa é do Fidel!

2008-06-17T12:41:00.000-07:00

O Cinemark, há tempos, exibe bons filmes em Salvador com ingressos baratos na Sessão Cinecult. Nesta semana, vale conferir este belo filme francês de Julie Gravas. A cineasta parece ter herdado do pai o gosto por filmes políticos. Mas A Culpa é do Fidel! passa longe das angústias e acidez dos filmes de Costa-Gravas. Pela ternura e delicadeza do roteiro, lembra mais as desventuras do dedicado Alexander Kerner de Adeus, Lênin!, quando fatos políticos levam pessoas comuns a terem sua rotina virada de pernas pro ar.

Essa menininha aí em cima é Anna de la Mesa. O sobrenome é estranho, mas é o menor dos problemas dela. Levava uma vida tranquila com os pais e o irmão caçula em uma bela casa na França, onde tudo estava em perfeita ordem. Até que seu tio espanhol é preso e morto por suas convicções políticas. Subitamente, os pais de Ana se tornam ativistas e se engajam na causa comunista. Mas como explicar pra menina que diabos é um comunista? Por que ela não pode mais estudar religião na escola católica? E quem são os barbudos que passam a andar na sua casa?

Como deu pra notar, a narrativa se concentra nas mudanças vivenciadas pela pequena protagonista, e não dá pra não falar o óbvio: esta Nina Kervel-Bey é um achado. A atriz-mirim está sempre com um olhar que oscila entre o tédio e a irritação frente à nova condição, e consegue convencer o espectador das transformações que começam a se passar dentro dela. A cena em que se depara sozinha com os amigos comunistas dos pais é ao mesmo tempo singela e hilariante.

Fica a dica.

Nota: 8,0 (de dez)

A Experiência (2001)

2008-06-10T21:07:00.000-07:00

Se você é do tipo que estranha qualquer filme que não seja falado em português ou inglês, aqui vai um bom motivo pra passar na locadora mais próxima e começar a rever seus conceitos. Na verdade, nem vai ser algo traumático. A Experiência é falado em alemão, mas é feito de um jeito absolutamente compatível com as produções que estamos acostumados a ver nos Multiplexes da vida.

A trama é baseada em fatos reais, com uma diferença que já começa na ambientação. Em vez dos EUA dos anos 70, a Alemanha dos anos 2000. Um grupo de homens é selecionado para um experimento psicológico no qual vão simular a convivência em uma prisão. Parte deles assumirá a função de guardas, enquanto os outros serão os detentos. E como aconteceu na famosa Experiência de Stanford, o que era pra ser uma simulação se desenvolve de forma trágica. À medida que o tempo passa, os guardas passam a submeter o grupo de cativos a torturas e humilhações brutais.

O expectador, como os presos, é submetido a uma crescente angústia claustrofóbica ao longo da projeção, com os cativos cada vez mais submissos e desesperados frente à violência com a qual são tratados. Filme correto, tenso, acima da média dos chamados filmes de prisão.

Nota: 7,0 (de dez)

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

2008-05-25T07:06:00.000-07:00

ANTES DEMORASSE MAIS

Temos esse costume de às vezes moderar a expectativa ao entrar no cinema. É um esforço de permitir que o filme nos dê alguma surpresa, algum encanto, quando já não confiamos muito nele. Mas mesmo assim não teve jeito de sair no lucro. O quarto filme de Indiana Jones, que levou dezoito anos pra sair do papel, morre de morte matada por causa do roteiro fraquíssimo.

Tramas com a dinâmica de uma gincana, em que o herói passa toda a narrativa correndo atrás de um determinado objeto importante pra ele (o que Hichcock chamaria de "MacGuffin"), não costumam ser das mais criativas. Mas isso nunca foi problema para a série do Indiana Jones. Basta ver A Última Cruzada pra perceber que o que importa, muitas vezes, é aquilo que está se desenvolvendo entre uma correria e outra. Essa preocupação faz muita falta em Reino da Caveira de Cristal.

As cenas de ação são entediantes e pouco inspiradas, e vou passar mal ao ver macacos na tela por um bom tempo. As explicações envolvendo a busca pela caveira são muito maçantes. E o único personagem interessante é o próprio Indiana, que está mais velho, experiante e rabugento. Mas tem o mesmo problema de Bruce Willis no quarto Duro de Matar. Confiante demais, poderoso demais, e por isso mesmo, incapaz de nos fazer se importar verdadeiramente com ele.

Por falar nisso, outro problema é a incapacidade do filme em criar tensão. Não há clímax, mas uma trama arrastada que lembra os Episódios I, II e IV de Star Wars. Por sinal, estes longa-metragens foram dirigidos pelo mesmo George Lucas que, além de produzir, é co-autor da história de Reino da Caveira de Cristal. Lembra também Piratas do Caribe 3, que tem ótimos efeitos, um protagonista carismático, mas que derrapa num péssimo roteiro. Que tristeza concluir isso do único Indiana Jones que pude ver no cinema.

Nota: 5 (de dez)

SOM BRASIL - DJAVAN

2008-01-16T04:19:00.000-08:00

Quem diria...

Recentemente e por acaso, assisti o programa Som Brasil, da Rede Globo. Não conhecia o formato e gostei muito. A cada dia, um nome da música é convidado para tocar e cede algumas de suas composições para serem interpretadas por outros nomes, que vão se apresentando num revezamento contínuo. Tudo acontece em um espaço onde cada um tem um palco montado para si, um ao lado do outro, perfazendo um círculo. As apresentações são intercaladas com depoimentos. Realmente muito interessante.

O programa que vi homenageou Djavan. Até Luíza Possi, que me despertava certa antipatia, fez um bom trabalho. É figura pop que flerta com a MPB e sabe se apresentar para uma câmera - seus olhos ficam uma beleza na telona. Os câmeras, que tiveram um ótimo trabalho de direção de imagens, não economizaram nos closes dedicados à cantora, que ganhou seus pontos comigo (imagino que ela dormiria mal, do contrário). Mas quem chamou minha atenção mesmo foi Geraldo Maia e sua banda, que eu desconhecia. A sua interpretação para Pétala emana fragilidade e quase me deixou com um nó na garganta.

O próximo programa será dedicado a Gilberto Gil. Quem diria, mal posso esperar pra ver um programa de TV...

30 DIAS DE NOITE

2007-12-17T02:29:00.000-08:00

PRESSA DEMAIS

A cidade de Barrow, no Alasca, tem um inverno tão rigoroso que a deixa por um mês sem um mísero raio de sol. Quando uma horda de vampiros se prepara para atacar o lugar, Marlow, o líder, comenta este detalhezinho geográfico: "Devíamos ter vindo aqui antes."

O plot é mesmo uma sacada genial, e rendeu a história em quadrinhos 30 Dias de Noite, do escritor e desenhista Steve Niles, que vem dando uma certa revigorada nos gibis de horror. Pena que esta adaptação para o cinema, infelizmente, não funcionou.

A resistência dos moradores do vilarejo atacado pelo grupo de sanguessugas acaba se tornando uma colagem de situações episódicas que não fazem o público sentir devidamente a passagem do tempo. A grande maioria das críticas a 30 Dias de Noite tem concordado neste ponto. Tudo acontece rápido demais, o roteiro tem pressa demais, não trabalha os personagens, não constrói tensão em suas cenas, não as resolve bem.

O filme gerou uma série de TV que funciona como prelúdio. Pensando a respeito, talvez uma telessérie tivesse melhores resultados como adaptação da trama de Steve Niles.

Nota: 5,0 (de dez)

PLANETA TERROR

2007-12-05T18:05:00.000-08:00

FALTOU RECHEIO NO MIRABEL

A idéia básica do projeto Grindhouse, de Robert Rodriguez e Quentin Tarantino, é bem interessante: recriar a experiência setentista de assistir filmes de segunda em cinemas de terceira. Ao longo de Planeta Terror, o segmento dirigido por Rodriguez, as imagens apresentam defeitos clássicos de filmes desgastados, além de buracos na narrativa que simulam remendos nas fitas de rolo da época. As salas de exibição aqui em Salvador chegaram a ter problemas com alguns espectadores desavisados.

A produção é caprichada, e o elenco, estelar e adequado à proposta do projeto. Além de Bruce Willis, que faz uma participação especial, muitos vão reconhecer o ator Naveem Andrews, o Sayid da série Lost. Infelizmente, depois da primeira metade de projeção, Planeta Terror vai se tornando previsível e maçante.

O esquema básico dos filmes de zumbi está presente no longa, com desconhecidos que precisam se unir para sobreviver a uma horda de desmortos. Mas falta recheio. A refilmagem de Madrugada dos Mortos, por exemplo, conquista pela exploração do drama de seus heróis. Já Todo Mundo Quase Morto parodia, com sobriedade britância, os elementos clássicos do gênero. Quanto a Planeta Terror, tenta se apoiar em escatologias e non-sense. Uma piada que não tem fôlego pra seus 107 minutos.

Nota: 5 (de dez)

UCI AEROCLUBE EM PROMOÇÃO

2007-11-10T06:05:00.000-08:00

A quem interessar possa, o UCI Aeroclube está em promoção. Quando você assiste um filme por lá, recebe um cartão que te garante 50% de desconto caso retorne ao cinema dentro de 10 dias para ver outro filme. A cada vez que você retornar, outro cartão será dado. Dessa forma, se você se mantiver freqüentando o UCI, pelo menos a cada dez dias, estará sempre contando com o desconto.

A promoção, provavelmente, foi causada pela vinda do Cinemark e as reformas do shopping Aeroclube, que devem ter reduzido o público das salas do UCI. Ontem, eu paguei a metade da meia-entrada (R$ 2,50) para assistir Mandando Bala, em plena estréia de sexta-feira, e havia apenas algo em torno de cinquenta espectadores.

Tarantino que me aguarde.

MANDANDO BALA

2007-11-10T03:36:00.000-08:00

ALÉM DA PARÓDIA

"Cuiuda", no baianês, é um termo usado para criticar uma cena que manda pro espaço alguma regrinha científica. Alguns exemplos são a extensa produção de uma vacina a partir do sangue de um único macaco em Epidemia e os ruídos em pleno vácuo que escutamos em Guerra nas Estrelas. Mas apontar uma cuiuda em um filme, às vezes, é fazer uma cobrança indevida. A cuiuda pode ser parte do espetáculo. É o caso de Mandando Bala, um filme da ação que usa o exagero para fazer chacota de si mesmo.

A história é muito simples: um tal Sr. Smith (Clive Owen) salva um bebê recém-nascido e passa a fugir com ela de assassinos contratados por um homem (Paul Giamatti) disposto a tudo para matá-los. Para ajudar a cuidar da criança, seu mau-humorado benfeitor contará com a ajuda de uma prostituta lactante (Monica Belucci). Tudo o mais que há no roteiro é um monte de desculpas para cenas surreais vividas por personagens caricatos, mas muito funcionais. Giamatti está ótimo como vilão histérico e Owen faz aquele mesmo anti-herói indiferente que o consagrou, anós atrás, com a série de curtas-metragens da BMW.

Mas é na criatividade das cenas de ação que reside o grande mérito de Mandando Bala, que vai além da paródia, sendo também uma obra propositiva, orquestrando seqüências inusitadas, tensas e irreverentes. Torna-se um contraponto para os filmes que procuram se vender meramente pelo número de tiroteios e explosões - e que teve como último exemplar o sofrível Duro de Matar 4.0.

Nota: 7,0 (de dez)

1408

2007-11-02T20:42:00.001-07:00

LEVANDO O FILME NAS COSTAS

Me lembro de ter assistido, certa vez, um dos protagonistas da série Supernatural descrever o trabalho de atuação que precisava desempenhar em uma narrativa de horror. Ele dizia que, como boa parte da tensão vem da própria imaginação do espectador, é fundamental que o ator traduza com sua expressão aquilo que o público não pode ver. Acredito que um ótimo exemplo é o trabalho de Mia Farrow em O Bebê de Rosemary. O mesmo vale para John Cusack neste 1408. Pena que o roteiro do filme não colabora tanto.

A história, vinda de um conto de Stephen King, é até interessante: um escritor especialista em casas mal-assombradas hospeda-se em um quarto de hotel onde ninguém sobreviveu por mais de uma hora. A transição criada por John Cusack de um Mike Enslin cético e sarcástico para um homem amedrontado e beirando a insanidade é a melhor coisa do longa, sendo tão convincente quanto possível, considerando que ocorre um tanto rápido demais. À medida que este processo vai se concluindo, as ameaças tornam-se cada vez menos sutis e o filme vai perdendo um pouco da boa tensão construída na primeira metade da projeção. Mesmo assim, 1408 tem seus encantos.

Filmes de terror estão sempre em época de vacas magras. Fico satisfeito quando assisto um exemplar minimamente bom.

A propósito, é melhor não ver o trailer antes de assistir o filme.

Nota: 6,0 (de dez)

TROPA DE ELITE

2007-10-18T15:05:00.001-07:00

É GUERRA?

Uma das melhores coisas que a pirataria fez por Tropa de Elite foi esquentar os motores das rodas de discussão. Como todo mundo viu o filme em cópia pirata e só poderia comentá-lo após suas estréia "oficial", não parece forçoso acreditar que as críticas e debates que tomaram lugar nos veículos de comunicação já começaram bem amadurecidos.

Na terça-feira do dia 09 de outubro, o filme nacional mais badalado deste ano foi tema do Observatório da Imprensa, programa da TVE. A roda de debatedores contou com a presença do diretor do longa, José Padilha. Durante as considerações finais, o filósofo Renato Janine Ribeiro levantou a situação trágica dos protagonistas deste longa-metragem: "A tragédia ocorre por um descompasso muito grande entre aquilo que você almeja e aquilo que você obtém." O Capitão Nascimento gostaria de erradicar o crime na sua cidade, mas por diversos motivos, ele percebe que não está vencendo nesta luta. Acredito que esta ponderação de Ribeiro é útil para discutir como tomamos partido dos personagens de uma narrativa e a dificuldade em enquadrar o protagonista de Tropa de Elite em nosso julgamento.

O Capitão Nascimento, ao mesmo tempo em que porta valores como honestidade e dedicação à farda, arromba lares e tortura inocentes. É um herói no país que mitificou Lampião e Getúlio Vargas. Ele nos leva a tiracolo durante toda a projeção e, durante todo o tempo, insiste em chamar de guerra aquilo que nos acostumamos a chamar de crise da segurança pública. E se concordarmos que há justeza no termo, estaremos de frente a perguntas indigestas. O que pode e o que não pode ser feito em uma guerra? E o que pode ou não pode ser feito numa guerra quando estamos no meio dela?

Graças à Tropa de Elite, os holofotes sobre temas como direitos humanos, violência e pirataria foram amplificados. O filme desconcerta e promove discussão. Essa é a maior conquista que uma obra poderia ter.

Nota: 9,0 (de dez)

DEADWOOD

2007-10-09T06:22:00.000-07:00

UMA FOCKING SÉRIE

No último domingo, estive com meus amigos Bete e Galdir, assitindo o último DVD da última temporada de Deadwood. Meses atrás, vimos juntos o piloto da série e decidimos que juntos nos despediríamos dela. Enquanto o último episódio se encerrava ante nossos olhos já cheios de saudade, lembro-me de ter perguntado: "vocês reperaram como nós nos relacionamos com Deadwood da mesma forma que nossas mães fazem com suas novelas?" Curiosamente, quando vimos o piloto da série, nem sentimos maiores expectativas. Mas Galdir achava que devia haver algum motivo pra o site IMDB ter cotado tão bem essa produção da HBO. E ele estava certo.

A série, ambientada na metade final dos anos de 1800, leva-nos à pequena cidade de Deadwood, localizada na Dakota do Sul. O lugar é marcado pela violência, em boa medida motivada pela exploração do ouro e por um jogo político ligado à sua vinculação teritorial. Mas isso é só o pano de fundo para o real tesouro da série, que são as relações nada cordiais entre os moradores da cidade. Os personagens são reprimidos, comportamento típico em ambientes hostis, nos quais demonstrar sentimentos é sinal de fraqueza (como bem apontou Bete). Suas falas são marcadamente densas, e seus atos, extremamente sutis. Dentre estes insólitos moradores de Deadwood, ganha destaque o ameaçador Al Swearengen, dono de um saloon onde as manchas de sangue são coisas corriqueiras. Por sinal, Swearengen é certamente o focking papel da vida do ator Ian Macshane, tendo lhe valido um merecido Globo de Ouro. Mas mesmo os personagens secundários (e mesmo alguns terciários) acabam se tornando carismáticos, a exemplo do próprio mocinho Seth Bullock, um homem-da-lei que escolheu o lugar errado pra recomeçar a vida.

Deadwood estreou na HBO em março de 2004, e teve apenas três temporadas. Pra desespero dos fãs, quando o anúncio de cancelamento se deu, a trama ainda não tinha alcançado uma conclusão. A exemplo do que aconteceu com a série Firefly, o canal ofereceu ao produtor executivo uma verba para realização de seis episódios extras que encerrariam a saga. Mais desespero: o produtor, que queria se envolver em novos projetos, recusou a oferta e ficou tudo por isso mesmo. Tipo Caverna do Dragão, mas com tristeza de gente grande.

Nota: 9,0 (de dez)

O ULTIMATO BOURNE

2007-09-04T09:43:00.000-07:00

O FILME DE AÇÃO DO ANO

Ultimato Bourne talvez não seja a melhor estréia de 2007, mas certamente é a mais eletrizante até o momento. E, diferente de outras continuações lançadas neste ano, temos aqui um longa-metragem que fecha sua franquia com louvor.

Como se trata do encerramento da trama que teve início com o filme de 2002, não há muito o que falar da história. Tudo começa com a publicação de uma matéria que expõe informações sobre o projeto que deu origem à Jason Bourne, o que leva o próprio a partir em busca da fonte do jornalista. Buscando a verdade sobre seu passado, o agente desmemoriado corre atrás de pistas de país em país, uma gincana comum em filmes de espionagem. Mas se, a exemplo de Missão Impossível, do Brian de Palma, Ultimato Bourne traz poucas seqüências de ação, em compensação é generoso com o tempo dedicado a elas, explorando o que de melhor o plot tem a oferecer, que é o jogo de gato e rato entre Jason Bourne e as agências de inteligência.

A edição em tons de videoclipe não é novidade pra ninguém, mas o longa-mertragem tem o mérito de utlizar este e outros elementos com maestria, orquestrando cenas de extrema tensão. E é interessante reparar a contribuição da discreta trilha sonora, cujo motivo principal repetitivo, bem articulado com uma câmera nervosa, faz o pobre coração do espectador disparar.

Vale destacar também a forma criativa como o segundo e o terceiro filme da série são intercalados. Quem assistir (ou rever) Supremacia Bourne pouco antes de ver este novo longa, vai entender do que estou falando.

Nota: 8 (de dez)

OS SIMPSONS - O FILME

2007-08-23T06:14:00.001-07:00

DUH!

O desenho dos Simpsons é tão infalível quanto Clint Eastwood. A comparação é forçosa? Vejamos. Clint Eastwood fez algo medíocre desde Os Imperdoáveis? Não (E não vale falar mal de Cowboys do Espaço. Pode não ser uma maravilha, mas convenhamos, é um filme simpático). Da mesma forma, alguém consegue lembrar de algum episódio medíocre de Os Simpsons? Então. Os Simpsons são tão infalíveis quanto Clint Eastwood. E este longa-metragem não poderia ser diferente.
Os Simpsons- O Filme é basicamente um episódio tradicional do desenho, com a principal diferença de ter 1h27min de duração, o que permitiu aos roteiristas sacanear muito mais: a trama tira sarro dos cristãos, budistas, ambientalistas, celebridades, autoridades, a instituição familiar, e claro, do próprio espectador. Outra diferença é a qualidade técnica da animação, que tem seqüências mais caprichadas (como na cena dos animais no Alaska e da multidão que sai com tochas à caça de Homer).
Como acontece no início de cada episódio, o filme também constrói uma trama que parte de fatos absurdos resultando em conseqüências idem, até chegarmos ao plot propriamente dito. Assim, de um mal-fadado show ambientalista do Green Day chegamos ao confinamento da cidade de Springfield, cuja vida dos habitantes estará nas mãos atrapalhadas de Homer Simpson e sua intrépida família. O tom é mais épico. De resto, o longa-metragem tem os mesmos elementos que fizeram o sucesso da série, que já chega a 19 temporadas.

Nota: 8 (de dez).

ESCORREGANDO PARA A GLÓRIA

2007-08-15T17:18:00.000-07:00

GRATA SURPRESA

Graças a Deus. Hoje meu camarada Edimário me acusou de usar este blog só pra falar mal dos filmes que assisto. Pois aqui está o primeiro a domar este monstro implacável que me tornei. E quem diria, justo uma comédia, gênero um tanto mal representado entre os últimos longas-metragens que assisti.
A princípio, não curti o cartaz, odiei o título brasileiro e, se soubesse que se tratava do mesmo produtor do irregular Com a Bola Toda, talvez eu tivesse dado meia-volta. Mas ainda que seja outra paródia ao mundo do esporte, Escorregando para a Glória apresenta resultados bem superiores. Em vez do jogo de queimada (ou como chamamos nós, baianos, "baleado"), o que está em jogo nesta trama é a carreira de dois grandes patinadores de gelo, que se vêem obrigados a unir forças em uma competição para duplas. O primeiro problema é que eles são rivais fervorosos, que terão que aprender a pôr as diferenças de lado. O segundo, é que são homens, os primeiros a formar dupla em um grande evento.
Boa parte do humor desta história vem do constrangimento em tons de homofobia que marca os treinamentos dos rivais, interpretados pelos ótimos Will Ferrell e Jon Heder. Além deles, destaque para o veterano Craig T. Nelson, vivendo o treinador que ajuda-os a se preparar para coreografias absolutamente hilárias. Outra grande qualidade de Escorregando Para a Glória é sua economia: o filme tem apenas bem utilizados 93 minutos de projeção, menos que Vovó Zona 2 e outras películas de tortura.

Nota: 7 (de dez)

TOP 10 BRUCE WILLIS

2007-08-10T19:55:00.001-07:00

Cara-de-pau. Falta do que fazer. Uma preguiça indescritível. É como se justifica um post do tipo "top isso, top aquilo". Mas quer saber? Eu gosto dessas listinhas. Vamos a elas.

Bruce Willis desceu trinta pontos na minha cotação com este último (e sofrível) Duro de Matar. Hora de falar das coisas bacanas que ele já fez.

1. Duro de Matar. Richard Gere recusou o convite para estrelar este filme. Bruce Willis deve ter agradecido muito.
2. Olha quem está falando. Uma mãe solteira (Kirstie Alley) se envolve com um taxista (John Travolta) enquanto tenta criar seu bebê, cujos divertidos pensamentos são dublados por Bruce Willis.
3. Hudson Hawk - O Falcão está à solta. Retumbante fracasso de público e crítica. Mas é um filmão. Willis faz um ladrão que pretende roubar três peças de Leonardo Da Vinci. Muito humor, non-sense e uma curiosa cena com Willis e Danny Ayello cantando Swinging on a Star para sincronizar as ações de um roubo.
4. Pulp Fiction - Tempo de Violência. Em uma de suas piores fases, Bruce Willis estava fazendo uma bomba atrás da outra, até viver um boxeador neste que ainda é o melhor filme de Tarantino.
5. Os doze macacos. Aqui, ele vive uma homem enviado ao passado para deter uma praga que vai dizimar a vida na Terra. O papel exige mais recursos dramáticos do ator. Ele até se sai bem quando não está contracenando com Brad Pitt, que rouba todas as cenas.
6. O quinto elemento. Divertida e frenética aventura futurista com Willis tendo que proteger Leeloo (Milla Jovovich), uma garota que pode salvar a Terra de um ataque interdimensional. Big Bada-bum.
7. O sexto sentido. O diretor M. N. Shyamalan e seu melhor filme. Willis faz um psicólogo infantil que ajuda um menino capaz de falar com os mortos.
8. A história de nós dois. "Pode um casamento sobreviver a 15 anos de casamento?" Bruce Willis e Michelle Pfeifer estrelam este romance que, de brinde, tem na trilha sonora canções de Eric Clapton.
9. Corpo fechado. Dividindo opiniões, este suspense traz o ator como um segurança que descobre ter poderes sobre-humanos. Shyamalan acerta de novo em um filme cujo maior defeito é acabar cedo demais.
10. 16 quadras. Pra fechar, um trabalho mais recente. Willis assume a idade como um policial veterano (foto) que precisa escoltar uma testemunha de acusação (Mos Def) até um tribunal. Mas isso será mais perigoso do que pensava. Direção segura do Richard Donner (dos filmes Máquina Mortífera) e participação do ótimo David Morse (Contato).

DURO DE MATAR 4.0

2007-08-08T06:40:00.000-07:00

DURO DE ASSITIR

Parece que esse não é mesmo o ano das sequências. Elas continuam enchendo os bolsos de seus produtores, mas a crítica em geral não tem poupado avaliações negativas às produções de 2007. Quase todas foram consideradas inferiores aos filmes que sucederam, a exemplo de Piratas do Caribe 3, Shrek Terceiro, Homem-Aranha 3 e Treze Homens e um Novo Segredo. E agora, certamente (e infelizmente), Duro de Matar 4.0 entra na lista.
O roteiro deste quarto filme é baseado no artigo "A Farewell to Arms", tendo sido adaptado para que, mais uma vez, possamos assistir o azarado detetive John McClane numa trama envolvendo terroristas. Agora, a ameaça vem de dentro de casa, e todo o sistema de energia, transportes e comunicações dos Estados Unidos ficam à mercê do hacker Thomas Gabriel. Para pôr fim ao caos criado pelo vilão, McClane vai precisar da ajuda de Matt Foster, vivido por Justin Long. O rapaz é o criador do algoritmo pelo qual o terrorista empreendeu seus planos. E como McClane é "um relógio de corda na era dos digitais", vai ter que levar o medroso Foster a tiracolo enquanto distribui paz e amor entre seus oponentes.
Duro de Matar 4.o é um filme que decepciona. E não merece fazer parte da franquia Duro de Matar. Quando o primeiro filme foi lançado, em 1988, chamou atenção pela criatividade das cenas de ação e pela presença de um herói bem diferente do padrão (elementos que, ainda hoje, fazem da explosão do Nakatomi Plaza uma das cenas mais memoráveis do cinema de ação). Preso e sozinho em um edifício tomado por terroristas, o nova-iorquino John McClane era um ser humano normal, que sentia dor ao receber um tiro e que chorava de medo frente a uma situação de absoluto desespero. Essa era a diferença que fazia o espectador realmente se importar com ele.
Já neste quarto filme, McClane não passa de um James Bond mais truculento. Infalível e temerário, protagoniza cenas de ação que perdem de longe para a luta sobre a asa de um avião em Duro de Matar 2 ou mesmo o tiroteio dentro de um elevador em Duro de Matar 3. Pra piorar, ele é um herói perfeito contra um vilão apático.
O terrorista Thomas Gabriel é um oponente que não nos convence de sua capacidade de controle. Vivido burocraticamente por Timothy Olyphant, da série Deadwood, Gabriel passa boa parte do filme com olhos arregalados que insistem em nos dizer que "tudo corre como planejado", o que o próprio roteiro trata de desmitificar. Quando o terrorista toma como refém a filha do mocinho, a tensão que poderia resultar daí cai por terra, pois logo em seqüência vemos John McClane partir pra cima de seus oponentes com ainda mais selvageria, deixando claro que não acredita nos colhões de seu algoz - no que ele está certíssimo. Os piores momentos do filme são justamente os que mostram Gabriel sendo desafiado por sua insolente e inverossímil refém. Por sua vez, me pergunto pra que serve esta personagem, já que a captura de Lucy McClane não parece ter a menor influência sobre a trama.
Nesta história toda, salva-se o personagem de Justin Long. Seu amedrontado hacker funciona bem como coadjuvante cômico, tem boa química com Bruce Willis e protagoniza uma divertida cena de roubo de carro.
Dirigido por Len Wiseman, este novo filme tem na destruição de um helicóptero sua cena mais alardeada, tendo aparecido em todas os trailers da produção. Mas convenhamos, o impacto destas e outras cenas seriam maiores se não fossem tão premeditadas.
Pra finalizar, um certo lamento pela ausência do compositor Michael Kamen, músico responsável pela trilha da franquia, morto em 2003 e aqui substituído por Marco Beltrani, que resgatou alguns dos motivos criados pelo saudoso músico.
Nota: 4 (de dez)

TRANSFORMERS

2007-08-07T17:31:00.000-07:00

SE TIVESSE O FUSCA, SERIA MELHOR

Não tenho preconceitos quanto a blockbusters, até gosto desses filmes do tipo "desligue o cérebro e seja feliz". Mas depois que vi uma boa quantidade de longas-metragens desse tipo, as exigências foram aumentando. Já não dava pra ser tão complacente com furos de roteiro e atuações inexpressivas. Como os lançamentos são muitos e o dinheiro é pouco, fui me acostumando a limitar meu comparecimento às salas de cinema àquelas situações em que podia apostar na qualidade da estréia da semana. No caso de Transformers, de Michael Bay, o apelo oitentista acabou falando mais alto, e lá fomos eu, que nem gostava tanto do desenho animado que deu origem ao filme. Mesmo com o dedo de Spielberg na produção-executiva, eu esperava apenas um entretenimento meia-boca, com uma ou outra sequência relevante. E foi isso o que eu tive. Mas se minhas expectativas iniciais se concretizaram, então por que fiquei tão chateado na saída do cinema? Resposta: porque Transformers começa bem e poderia ter sido um bom filme.
A primeira metade do longa é dedicada aos personagens humanos, decisão acertada quando levamos em conta o talento de seu jovem ator principal, Shia LeBouf. Com excelente timing cômico, ele interpreta Sam Witwicky, um estudante que ignora ter, entre as relíquias de um antepassado, a pista para a localização de um poderoso artefato. É a busca por este objeto que motiva a chegada de dois grupos de seres robóticos à Terra: os Autobots (os bonzinhos) e os Decepticons (os não tão bonzinhos), ambos com a curiosa capacidade de se transformarem em algum tipo de veículo.
Humor e ação se desenvolvem na medida certa até que, ao fim da primeira metade da projeção, começam a aparecer os problemas. Fica claro que, a partir de certa cena, a participação do personagem de LeBouf torna-se totalmente incoerente, permanecendo na narrativa puramente por que os roteiristas estão forçando a barra. Gasta-se tempo com uma série de personagens secundários que pouco acrescentam à trama, e os combates, que deveriam funcionar como uma redenção a este fraco longa-metragem, acabam por piorar o conjunto: são longos, intensos e confusos demais. Quando dois robôs se engalfinham, torna-se difícil para o espectador saber quem é quem. Não que tenha sido um grande problema pra mim. Com a dor-de-cabeça que eu sentia, já nem me importava mais.

Nota: 4 (de dez)

2007-08-07T16:00:00.000-07:00

Poucas personalidades foram tão influentes e tão desprestigiadas quanto Sabidus Porretus (5000 a.C. - ?). Engenharia, medicina, arte, nada escapou da influência deste sábio nascido na região da Mesopotâmia. Incontáveis gerações de intelectuais e artistas beberam do néctar de sua inspiração, a exemplo de Aristóteles, Santo Agostinho, Monclar e Leonardo Da Vinci (um de seus mais disciplinados seguidores).
Neste blog, além de críticas e comentários sobre filmes, quadrinhos e o que mais vier à cabeça, serão elencadas algumas das principais realizações deste pensador - dentre elas, a transposição do Rio Eufrates, a posição de cagar e o desenvolvimento da roda*.

* Este importante artefato foi inventado por volta de 4000 a.C. Mas estudos recentes comprovam que, apenas a a partir das pesquisas de Sabidus Porretus, a roda, antes quadrada, veio a se tornar redonda. Salto tecnológico fundamental para a história humana, teve como efeito imediato a invenção do bambolê.